viernes, 6 de julio de 2018

Top 30 Mejores Cortometrajes del anime

Os preguntaréis porque estoy haciendo tantos tops si me gusta más hacer reseñas. La realidad es que he visto tantas OVAs y filmes que ya me estoy quedando sin mucho más que consumir, exceptuando series que de esas hay de sobra y aún necesito tiempo. Por otro lado, creo que es el momento de ofreceros estas largas listas. Así vosotros no tenéis que perder demasiado tiempo a la hora de buscar algo que sea de calidad y os entretenga. En esta labor de "filtro" creo que he dejado lo mejor, pero ya sabéis que nadie es infalible y mucho menos yo, aunque tenga confianza en mi criterio. Cabe decir que he excluido de esta lista aquellos animes que son derivados de franquicias o carecen de mucho enfoque artístico. En vez de eso, me he centrado en producciones independientes o recopiladas en antologías como Robot Carnival (1987) o Neo Tokyo (1989).

Antes de nada, deberíais saber qué es un cortometraje. Un corto sería una producción audiovisual de tipo cinematográfico o animado cuya extensión máxima alcanzaría los 30 minutos, aunque algunos expertos sitúan la frontera en los 35 minutos. Al igual que otras producciones como los largometrajes o las series estas puedan tratar de diversos temas o enfocarse a diferentes géneros. Sin embargo, su corta duración supone un problema a la hora de desarrollar una trama o abordar demasiadas ideas a la vez. A pesar de este gran inconveniente, los cortometrajes poseen sus ventajas respecto a películas y series de televisión.


En primer lugar, los cortos tienen mucha más libertad creativa que la mayoría de animes estrenados en cines o televisión. Muchos proyectos para ver la luz necesitan del apoyo de grandes empresas, ya que se necesita muchísimo dinero para hacer un anime. Estas mismas empresas también imponen una serie de condiciones para garantizar que el proyecto será exitoso. Ellas no van a aportar millones de yenes por amor al arte sino que quieren obtener una serie de beneficios. Y para eso modificaran más de un aspecto de la obra, sin importar si eso repercute negativamente en el plano artístico. De ahí que muchas películas de Hollywood primen el espectáculo o una estructura reparadora en tres actos. En el caso del anime, se opta por diseños de personaje más genéricos por ser más accesibles para el público general o, según la época, por aquellos géneros más populares. Véase, el género idol o iyashikei hoy en día. 

Al no depender de estas compañías, son más libres de utilizar diversas técnicas de animación como el stop motion, cel shading, etc. También se puede probar con distintos estilos de dibujo en caso de que hablemos de animación tradicional. Las posibilidades son casi infinitas. En segundo lugar, uno puede pensar que el hecho de contar con unos minutos para contar algo es una gran desventaja y que así es imposible superar a otros formatos como el largometraje. En realidad, su escasa duración puede ser aprovechada para expresar con mayor intensidad una idea en concreto. Digamos que un cortometraje tiene una capacidad mayor para manifestar sentimientos y emociones de forma poderosa. Un ejemplo serían La maison en petits cubes (2008) o Pendulum (2012). Su capacidad para conmover al público es tan fuerte que es probable que broten las lágrimas de tu rostro sin ningún esfuerzo. Dicho esto ya podemos empezar.



1. Historias de una Calle (1962). Osamu Tezuka. Reseña
2. Recuerdos (1964). Osamu Tezuka. Reseña
3. Sirena (1964). Osamu Tezuka. Reseña
4. Cuadros de una Exposición (1966). Osamu Tezuka. Reseña
5. Una Película Estropeada (1985). Osamu Tezuka
6. Los engranajes de Franken (Robot Carnival, 1987). Koji Morimoto
7. Presencia (Robot Carnival, 1987). Yasuomi Umetsu
8. Pesadilla (Robot Carnival, 1987). Takashi Nakamura
9. Laberinto (Neo Tokyo, 1987). Rintaro
10. Trabajos de construcción suspendidos (Neo Tokyo, 1987). Katsuhiro Otomo
11. A Well-Ordered Restaurant (1991). Tadanari Okamoto
12. Carne de Cañón (Memories, 1995). Katsuhiro Otomo
13. Cat Soup (2001). Tatsuo Satou
14. Comedy (Sweat Punch, 2002). Kazuto Nakazawa
15. Atama Yama (2002). Koji Yamamura
16. Récord Mundial (Animatrix, 2003). Takeshi Koike
17. Más allá (Animatrix, 2003). Koji Morimoto
18. Historia del chico (Animatrix, 2003). Shinichiro Watanabe
19. Aru Tabitito no Nikki (2003). Kunio Sato
20. Pale Cocoon (2005). Yasuhiro Yoshiura
21. Happy Machine (Genius Party, 2007). Masaaki Yuasa
22. Baby Blue (Genius Party, 2007). Shinichiro Watanabe
23. Franz Kafka's A Country Doctor (2007). Koji Yamamura
24. La maison en petits cubes (2008). Kunio Sato. Reseña
25. Rain Town (2011). Hiroyasu Ishida
26. Kawamo wo Suberu Kaze (Otona Joshi no Anime Time, 2011). Hiroshi Kawamata
27. Ojiisan no Lamp (2011). Teiichi Takiguchi
28. Pendulum (2012). Takefumi Kurashina
29. The Portrait Studio (2013). Takashi Nakamura
30. Kick-Heart (2013). Masaaki Yuasa

sábado, 30 de junio de 2018

Top 50 Mejores OVAs del anime

No han pasado muchos días desde mi última entrada, pero prometí hacer un top de las mejores OVAs de la historia. En concreto, uno que recopila los cincuenta mejores títulos que han existido, según mi opinión claro. Como resulta evidente, no he visto todas las OVAs que han existido. No solo por ser una tarea imposible de llevar a cabo sino porque la mayoría de lo que se produce es más de lo mismo. No obstante, he consumido alrededor de 225 obras en este formato, así que confío en mi juicio. Puede que se me hayan escapado varias, pero al menos tendréis títulos de calidad.


Antes de nada, debería aclarar a los fans más inexpertos que es una OVA. Pues bien, una OVA sería una producción animada hecha para ser vista en un reproductor de vídeo. Por ejemplo, VHS, DVD o Blu-ray. Este tipo de producciones aparecen en los años 80, concretamente en 1983 con Dallos, una miniserie de cuatro episodios dirigida por Mamoru Oshii. Si tuvo tanto éxito en el siglo pasado fue gracias al hecho de que contaban con varias ventajas frente a las series de televisión: libre de censura, sin necesidad de atenerse a unos horarios o un calendario estacional y la posibilidad de invertir más dinero con relativamente menos riesgos. En un principio, estudios como Sunrise y Pierrot utilizaron este nuevo campo para dar salida a productos derivados de sus franquicias, pero pronto empezaron a salir numerosas obras originales y adaptaciones de mangas cortos.

En la actualidad, han dejado de ser relevantes debido a nuevas restricciones y a la instalación del formato de 13 episodios en el campo de la televisión. Se producen muchas menos y su variedad ha mermado considerablemente al convertirse en un lugar donde casi solo tienen presencia obras eróticas y productos de franquicias.


Espero que a nadie le hayan quedado dudas sobre lo que son las OVAs. Dicho esto, quería mencionar que he añadido ciertas reglas en este top porque sino el trabajo de selección habría sido mucho más complicado. En primer lugar, aquí se recogen aquellos animes que han terminado. Por eso no veréis a Mobile Suit Gundam: The Origin (2015). En segundo lugar, no incluyo aquellas OVAs que equivalen a capítulos "random", es decir, aquellos que serían un episodio cualquiera de una serie. Por ejemplo, las OVAs de Sankarea (2012) porque no aportan absolutamente nada a la obra. Por último, este top no pretende posicionar al mejor y al peor título sino que simplemente incluye los que considero son los mejores, ordenadas por décadas. Y como no tengo más que decir, creo que podemos empezar.

Años 80

1. Tenshi no Tamago (1985)

2. Area 88 (1985-1986)

3. Bubblegum Crisis (1987-1991)

4. Robot Carnival (1987)

5. Devilman (1987-1990). Reseña

6. Patlabor: The Mobile Police (1988-1989)

7. Legend of Galactic Heroes (1988-2001)

8. Top wo Nerae! Gunbuster (1988-1989)

9. Kikou Ryohei Mellowlink (1988-1989)

10. Mobile Suit Gundam 0080: War in the Pocket (1989). Reseña

11. Gosenzo-sama Banbanzai! (1989-1990)

12. Kyoushoku Soukou Guyver (1989-1992)

Años 90

13. Record of Lodoss War (1990-1991)

14. Cyber City (1990-1991)

15. Roujin Z (1991)

16. Otaku no Video (1991)

17. Mobile Suit Gundam 0083: Stardust Memory (1991-1992).*

18. Giant Robo: The Animation (1992-1998)

19. Kyou kara Ore wa!! (1992-1997)

20. Black Jack (1993-2011)

21. JoJo's Bizarre Adventure (1993-2002)

22. The Cockpit (1993-1994)

23. Iria: Zeiram The Animation (1994)

24. Macross Plus (1994-1995)*

25. Armitage III (1995)

26. Silent Service (1995-1998)

27. Golden Boy (1995-1996)

28. Gunsmith Cats (1995-1996)

29. MSG: The 08th MS Team (1996-1999)

30. Yokohama Kaidashi Kikou (1998)

31. Getter Robo Armageddon (1998-1999)

32. Samurai X: Trust and Betrayal (1999)*

33. Master Keaton OVA (1999-2000)*

Años 2000

34. FLCL (2000-2001)

35. Cat Soup (2001)

36. R.O.D OVA (2001-2002)

37. Mazinkaiser (2001-2002)*

38. Kanojo to Kanojo no Neko (2002)

39. The Animatrix (2003)*

40. Re: Cutie Honey (2004)

41. Diebuster (2004-2006)

42. Pale Cocoon (2005)

43. Hellsing Ultimate (2006-2012)

44. Batman: Gothan Knight (2008)

45. Detroit Metal City (2008)

46. Saint Seiya: The Lost Canvas (2009-2011)*

47. Final Fantasy VII: Advent Children Complete (2009)*

2010

48. Mobile Suit Gundam Unicorn (2010-2014)*

49. Carnival Phantasm (2011)*

50. Space Battleship Yamato 2199 (2012-2013)

Probablemente os preguntéis porque algunos animes llevan un asterisco. El asterisco lo puse como advertencia, ya que recomiendo que antes veáis otros materiales que les preceden o están en relación con ellas. Por ejemplo, The Animatrix (2003). Sin ver la película The Matrix (1999) podéis tener más de un problema a la hora de entender varios cortos porque os faltará contexto que proporcionaba el filme. Para más dudas, podéis preguntar en comentarios.


Y antes de que os marchéis quería dejaros otro top. Esta vez el de mis veinticinco OVAs favoritas. Muchas coinciden con el top de arriba, pero no os debe sorprender. Cuando uno encuentra algo de calidad y es capaz de identificarlo como tal, difícilmente no puede cogerle algo de aprecio, aunque siempre hay excepciones claro. Por ejemplo, yo soy más dado a la acción. Y eso es todo, espero que hayáis apuntado unos cuantos títulos.

1. Area 88 (1985-1986)                                                        16. Golden Boy (1995-1996)
2. Robot Carnival (1987)                                                     17. Gunsmith Cats (1995-1996)
3. Top wo Nerae! Gunbuster (1988-1989)                           18. Birdy the Mighty (1996-1997)
4. Kikou Ryohei Mellowlink (1988-1989)                            19. Yokohama Kaidashi Kikou (1998)
5. Legend of Galactic Heroes (1988-2001)                          20. Getter Robo Armageddon (1998-1999)
6. Mobile Suit Gundam 0080: War in the Pocket (1989)     21. FLCL (2000-2001)
7. Gosenzo-sama Banbanzai! (1989-1990)                          22. Cat Soup (2001)
8. Kyoushoku Soukou Guyver (1989-1992)                          23. R.O.D OVA (2001-2002)
9. Record of Lodoss War (1990-1991)                                  24. Comedy (Sweat Punch, 2002-2006)
10. Cyber City (1990-1991)                                                  25. The Animatrix (2003)
11. Mobile Suit Gundam 0083 (1991-1992)                         26. Re: Cutie Honey (2004)
12. Kyou kara Ore wa!! (1992-1997)                                   27. Hellsing Ultimate (2006-2012)
13. Dragon Half (1993)                                                        28. Detroit Metal City (2008)
14. Iria: Zeiram The Animation (1994)                                29. Carnival Phantasm (2011)
15. You're Under Arrest (1994-1995)                                   30. Space Battleship Yamato 2199 (2012)

domingo, 24 de junio de 2018

Reseña: Birdy The Mighty


  • Año: 1996
  • Capítulos: 4
  • Estudio: Madhouse
  • Formato: OVA
  • Género: Acción, Ciencia Ficción, Comedia, Sobrenatural

Dos en uno

Sinopsis

Igual que muchos adolescentes, Tsutomu es un estudiante de secundaria más. Más bien eso le habría gustado seguir siendo, pero resulta que el día antes de los exámenes de admisión fue víctima de un extraño caso donde estuvieron implicados seres de otros planetas. Tanta mala pata tuvo que incluso murió durante el incidente. Sin embargo, la Federación Intergaláctica, preocupada de no dañar a los terrícolas, le salva la vida y logra revivirlo. Pero hay un inconveniente… ahora debe compartir su cuerpo con una agente federal, Birdy. ¿Cómo será su vida a partir de ahora?

Trama y Desarrollo

Masami Yuki es conocido por ser el autor del manga de Patlabor (1988-1994), aunque la franquicia animada se volvió más famosa que su contraparte. Yoshiaki Kawajiri, director de obras como Ninja Scroll (1993) y Vampire Hunter D: Bloodlust (2000), dirigió su adaptación a formato OVA en 1996, aunque la verdad no tuvo la misma libertad creativa que en otros de sus trabajos. De ahí que resulte más difícil identificar el estilo del prestigioso autor, aunque en algunas secuencias de acción se deja entrever. Pero veamos que tiene que decir la obra en su conjunto.

Birdy the Mighty es una serie de acción y ciencia ficción compuesta de cuatro OVAs que nos cuenta la historia de un ser humano y una agente interespacial, ambos unidos en un mismo cuerpo debido a un incidente desafortunado. Ahora deben colaborar para vencer a una organización extraterrestre de intenciones perversas. En mi opinión, aquellas premisas que incluyen la idea del cambio de cuerpo pueden ser bastante entretenidas porque los personajes tienen que lidiar con situaciones a las que no están acostumbrados, entre otras muchas cosas.


Por el contrario, aquí hablamos de una experiencia distinta, en el sentido de que deben encontrar la manera en que ambos huéspedes estén satisfechos. Por una parte, Birdy tiene que intentar mantener la vida de Tsutomu igual que antes. Por otro lado, Tsutomu debe comprender la función de Birdy y colaborar con ella para facilitar su victoria. Al principio, ambos no se llevan bien que digamos. El hecho de compartir un mismo cuerpo le resulta molesto, así que actúan sin tomarse muy en cuenta: ella cogiendo el mando sin avisar y el prota ignorando su misión para regresar a su vida diaria. Más tarde, a raíz de diversos enfrentamientos, mejora su entendimiento y se convierten en amigos.

Sin embargo, no aprovecha al máximo las posibilidades que encierra la premisa. Es innegable que retrata el choque entre ambos e introduce algunos malentendidos, pero podría haber creado muchos más escenarios divertidos. Por ejemplo, Birdy gastándole bromas al apoderarse de su cuerpo y a la inversa. Más allá de la diversión, el hecho de encontrarse dos mentes en un cuerpo también podría ser mejor aprovechado en pos de afianzar vínculos y explorar sus problemas. ¿Por qué no conocerse mejor? De esta manera su relación sería más sólida.

Debido a su simplicidad argumental puedo pasar esto último por alto, pero al menos merecíamos un dúo más memorable. Sin embargo, no tienen una gran química. Sus interacciones nunca pasaron de ser simpáticas. Aprueban en confianza, pero carecen de grandes contrastes y similitudes para darles chispa. Como personajes individuales, el tema no mejora mucho. Por un lado, Tsutomo es el clásico estudiante de secundaria, con los mismos intereses que sus compañeros de clase. No tiene aficiones, metas, rasgos personales o alguna singularidad que le haga destacar. Más allá de su interés por vivir tranquilo y estar enamorado de Hayamiya, poco más se puede decir de él. Por otra parte, Birdy es una agente  intergaláctica cuya meta es vengarse de Christella Revi. Está muy comprometida con su trabajo, así que siempre está patrullando o atenta a cualquier señal. Es una mujer hermosa con aptitudes físicas sobrehumanas. También demuestra un carácter un tanto caprichoso en favor de la diversión. Es una lástima que no exploren la pérdida de su madre o no se nos cuenten experiencias anteriores de su trabajo. En ambos personajes también se nota que la caracterización es algo débil, algo que varios podrán explotar con más empeño, pero yo solo lo menciono.


Sobre los secundarios, la mayoría cumplen una función cómica. En primer lugar, los compañeros de clase de Tsutomo, quienes se dedican a enseñarle revistas eróticas. En este grupo, también te topas con su familia. La verdad es una creíble y graciosa porque la madre sobreprotege al hijo, la hermana mayor se dedica a molestarlo y el padre intenta intervenir, pero todos le toman el pelo y no acierta una. Un personaje más importante sería Hayamiya, amiga cercana e interés romántico de Tsutomo. Es la típica chica amable y considerada. Debido a un accidente se entera del poder del chico, pero nada de importancia ocurre porque termina con un “cuéntamelo cuando estés preparado”. Por lo tanto, su relación vuelve al status quo en el próximo episodio. Finalmente, los antagonistas tampoco merecen  mucho la pena. Revi está envuelta en misterio, así que no sabemos nada excepto parte de su pasado y su liderazgo de la organización. Creo que dedicarle menos tiempo a los secundarios y más tiempo a los principales habría ayudado más a la serie.

En realidad, me falta un villano del que hablar, uno de los miembros importantes de la organización: Seichiro Hikawa. Él es el antagonista principal de esta serie de OVAs, aunque en el primer capítulo se señale a Revi. Por ese motivo, la serie queda inconclusa. Pero volviendo a Hikawa, este hombre es científico que realizó experimentos durante la II Guerra Mundial para crear soldados perfectos, pero cuando conoció a la organización empezó a trabajar en un proyecto llamado “Espíritu”. Ahora él intenta elaborar drogas que permitan crear individuos capaces de despertar habilidades psíquicas. En cuanto a su personalidad, es un hombre malvado y cruel, creyendo que sus investigaciones eran valiosas. Muy convencional, ¿verdad? Pero su trasfondo le convierte en alguien más interesante, gracias a que es revelado progresivamente en cada capítulo mediante las investigaciones policiales y los experimentos del científico. Sin embargo, habría sido mucho mejor que el villano final fuera Revy por su conexión personal, así como también como por ser el fin último al que aspira.

Al final  me estoy olvidando de lo más importante. Esta serie busca ser entretenimiento, no abordar temas. De ahí que ponga un mayor empeño en las escenas de acción. Estas consisten en combates entre Birdy y los enemigos de la organización, quienes son capaces de utilizar poderes sobrenaturales o psíquicos. En general, estos encuentros son notables por varias razones. En primer lugar, apenas usa recursos de animación limitada. No serás testigo de imágenes estáticas ni tampoco de reciclaje de secuencias ni sustitución de fondos. En vez de eso el movimiento es limpio y fluido. En segundo lugar, las batallas están libres de los obstáculos más odiosos del shônen de peleas como la exposición molesta o la lentitud deliberada para alargar. 


Después, posee coreografías y efectos visuales suficientes para montar un pequeño espectáculo. En este sentido, algunos animadores como Yoshiyuki Ito (Cowboy Bebop, 1998; y Soul Eater, 2008) han aportado algunas escenas de acción sensacionales. Por supuesto, la acción consigue ser clara para el espectador. Por otro lado, hay abundancia y variedad en las peleas, cambiando los enemigos y las localizaciones (edificios, acuarios, parques de atracciones, vías del tren, etc). Sin embargo, no son perfectas ni mucho menos. Por ejemplo, la música está lejos de ser memorable, por mucho que sea adecuada. También falta cierta repercusión en la acción porque Birdy casi nunca es herida de gravedad, aunque puedan ponerla en apuros. Como último detalle, habría estado mejor no omitir ciertos puñetazos o patadas en el momento de impactar. Si me preguntaran cual es la mejor batalla diría que Birdy contra Ondine. 

Por último, la obra presenta algunos fallos que afectan a su verosimilitud. En primer lugar, estaría el propio hecho de que la Policía Interestelar haya decidido salvar al chico uniéndolo con una agente importante. Está claro que eso afectaría a su trabajo y le obligaría a quedarse en la Tierra. Lo mires como lo mires no armaron la mejor excusa del mundo. En segundo lugar, está el caso de si Tsutomu posee un cerebro privilegiado para pensar en soluciones tan idóneas para enfrentar a sus enemigos. Digo esto porque el protagonista nunca demuestra ser inteligente. Véase que, por ejemplo, no tenga ningún tipo de afición orientada a la lectura o la investigación. Durante su vida diaria no demuestra ser un genio, teniendo despistes, interesándose más por hacer el vago, etc. Súmale a eso también la falta de anticipación, en alguna instancias. Como resultado, uno nota que el autor simplemente optó por introducir esas ideas en la mente del protagonista, olvidándose de su caracterización. En tercer lugar, la actitud de Gómez no tiene sentido porque este pudo haberla matado fácilmente. Y con esto es todo.

Calificación: 6

viernes, 15 de junio de 2018

Reseña: Dirty Pair


  • Año: 1985
  • Capítulos: 24
  • Estudio: Sunrise
  • Género: Acción, Aventura, Ciencia ficción, Comedia

El dúo dinámico 

Sinopsis

En el siglo XXII, la humanidad ha alcanzado un desarrollo suficiente para expandirse por toda la galaxia, colonizando múltiples sistemas solares y planetas. Dentro de este contexto es importante la existencia de la World Welfare Works Association (3WA), una organización dedicada a resolver todo tipo de problemas. Sus agentes son denominados comúnmente como “Consultores de problemas”. Entre sus miembros hay muchos muy famosos, pero los más destacados son los “Ángeles Encantadores”. Sin embargo, se les conoce con el nombre de “Dirty Pair” porque siempre causan destrozos allá donde van. ¿Podrán la pareja formada por Kei y Yuri deshacerse de esa mala fama?

Trama y Desarrollo

Es extraño como esta franquicia no es de lejos ni tan famosa en España y Latinoamérica como pueden serlo muchas otras. Digo esto porque se trata del anime que inició una moda un tanto particular. Podríamos definirla como “Chicas con pistolas” o “Mujeres de armas tomar”, es decir, aquellas obras donde una mujer o un grupo de ellas protagonizan –normalmente féminas atrayentes– aventuras llenas de acción, venciendo hordas de enemigos y resolviendo complicadas misiones. No es que tengan que llevar armas como pistolas de manera reglamentaria, pero suele ser un tópico habitual. También pueden ser mujeres muy fuertes, capaces de tumbar a cualquiera mediante su fuerza. Un ejemplo serían otras franquicias como Bubblegum Crisis (1987). Puede que la serie de televisión de Dirty Pair fuera cancelada, pero luego continuó en el mercado de OVAs e hizo que a muchos se les encendiera la lucecita de la cabeza.

En esencia, Dirty Pair recuerda a títulos tan conocidos como Lupin III (1971) o Space Cobra (1982). En el sentido en que tenemos a unos individuos altamente competentes completando misiones de diversa índole, aunque la mayoría impliquen poner su vida en peligro. En el caso de los dos exponentes mencionados, se trataba de grandes criminales que de vez en cuando hacían alguna heroicidad. En cambio, la pareja formada por Kei y Yuri son más o menos agentes especiales que luchan por la justicia a los órdenes de un organismo privado. En lo que sí coinciden todos ellos es en que muestran un gran amor por el riesgo y en vivir grandes aventuras. 

La diversidad de las misiones que se les encargan a este dúo tan encantador es inmensa. Un día, tienen el deber de detener el funcionamiento de un ordenador descontrolado; al siguiente día, pasan a investigar si una nave de cierta compañía de vuelos ha sufrido un accidente o ha sido algo un ataque intencionado; la próxima semana, ellas estarán rescatando a un grupo de ingenieros de una prisión; y al finalizar el mes, se convertirán, en un día, en las guardaespaldas de un príncipe para evitar que su trono sea usurpado. Gracias a que se trata de una serie de formato episódico, cada capítulo te encontrarás algo nuevo. Búsqueda de tesoros, desarticulación de mafias, detención de criminales, investigaciones, protección de personas importantes, rescates y un largo etcétera. Cualquier problema puede ser resuelto por sus más que eficaces empleadas. Solo es necesario que el cliente haga un contrato con la 3WA y espere a que el problema sea resuelto.


Puede que sea algo evidente, pero al estar en un escenario de ciencia ficción, localizado temporalmente en el siglo XXII, no son pocos los escenarios donde desarrollan sus actividades: grandes ciudades, destinos vacacionales, el viejo oeste, centros comerciales, el interior de edificios (especialmente este caso), etc. La variedad no es tan grande como en las series anteriores, pero tampoco es menor. El hecho de ser ciencia ficción también permite que Kei y Yuri sean dadas a utilizar todo tipo de armas y artilugios como pistolas láser, pulseras que se convierten en látigos o ganchos, bombas de humo especiales, etc. De esta manera encuentra mayor diferenciación respecto de muchas series policíacas americanas que conocemos bien, ya que en algunos puntos son similares.

Para añadir más entretenimiento a esta fórmula, se incorpora una dosis grande de comedia. Es cierto que hoy en día el tipo de humor que uno encuentra en casi cualquier anime japonés deja que desear, pero aquí nuestro dúo fatal sí provoca situaciones graciosas y simpáticas. El humor que utilizan depende bastante de las situaciones en que se encuentren. Es decir, no es de esas series donde se repiten constantemente unos chistes concretos, aunque alguno en particular sí que tienen. En un capítulo puede haber más humor slapstick porque están electrocutando con una pulsera especial a un criminal, mientras que en otro tienes algo de humor erótico con Kei usando sus encantos (esas largas piernas por ejemplo). Y por no hablar de algunos capítulos que son una risa como aquel donde un padre millonario quiere impedir que su hijo se case con una mujer que antes era hombre. Tiene ocurrencias que no te esperas. Más corrientes son las discusiones entre Kei y Yuri por alguna pequeñez como el mayor peso de Kei, la cantidad de maquillaje que lleva Yuri o simplemente quién es más atractiva de las dos. Y no quiero dejarme en el tintero el clásico –aunque no repetitivo– “ustedes son la Dirty… quiero decir los Ángeles Encantadores, disculpen”. Curiosamente todos los géneros implicados en esta serie mantienen un buen balance, de manera que ninguno de ellos se pise. Y por supuesto, el drama nunca supone un problema en la narrativa como sí lo hacía a veces en Lupin III (2015).


Si tuviera que añadir problemas a este anime diría que le falta más ambición, aunque evidentemente no muestre interés en ser mucho más que algo divertido. Pero si cuestionara algo sería esa moral algo contradictoria de luchar en parte por la justicia, pero no les importa mucho causar decenas de heridos o algunos muertos por el camino. Otro aspecto es que la verosimilitud también se podría trabajar mejor porque hay algunos giros argumentales y otros hechos que están ahí simplemente para sorprender. Pero como digo no es malo porque realmente es una obra con un tono más desenfadado y sin ninguna seriedad.

En verdad este anime no sería lo mismo sin sus protagonistas. Todo lo que he nombrado no sería suficiente sin un elenco principal interesante. Y no, no es necesario que los personajes destaquen por su complejidad. En vez de eso, necesitas un equipo tan fabuloso como estas dos heroínas. Su caracterización está bastante bien, pero lo mejor es su química e interacción. Esas peleas tan habituales que tienen, así como su perfecto trabajo en equipo a la hora de resolver los problemas es lo sensacional. Si falta una de las dos es evidente que el espectáculo pierde parte de su “punch”. Puede sonar como que si las miras por separado no son gran cosa, pero tampoco es así. Simplemente juntas suman más. Así que ya sabes, si posees algún problema llámalas. Resolverán el problema que tengas, aunque atente a las consecuencias porque son famosas por causar múltiples desastres y destrozos innecesarios.  Por algo las llaman “Dirty Pair”.

Personajes

-Kei: Una de los agentes de la organización 3WA, cuyo nombre en código es Ángel Encantador. A diferencia de su compañera, Kei tiene un carácter más explosivo y bruto. Es una mujer de acción. Suele tomar más la iniciativa y tiende a tener una gran confianza en ella misma, aunque a veces esta se convierta en imprudencia. Por eso suele ejercer más de líder, aunque luego se repartan las tareas. Le gusta la lucha libre femenina –por eso entrena más su cuerpo que Yuri– y arreglar todo tipo de aparatos. Puede que sea menos femenina que Yuri, pero sigue teniendo aficiones propias de mujeres. Entre otros intereses le encanta ligar con chicos guapos, ir de compras, salir a bailar a una discoteca, ver la televisión, escuchar música, etc Por otra parte, no tiene muchas preocupaciones especiales, aparte de mantener su peso claro ya que no le disgusta comer pasteles y otras delicias.

-Yuri: Una de las agentes de la organización 3WA, cuyo nombre en código es Ángel Encantador. Si Kei era una muchacha más abierta y chillona, Yuri es una señorita más discreta y calmada. Por eso es más reflexiva y tiende a hallar con más facilidad las soluciones a los problemas que se plantean en las misiones, en comparación a la frenética Kei. Tampoco le interesa demasiado entrenar porque prefiere mantenerse bonita en vez de ganar músculo. En sus ratos libres puede vérsele maquillándose, tomándose un largo baño, pintarse las uñas, yendo de compras, etc. En cuanto a novios, ella prefiere que sean más románticos, aunque deben ser también muy atractivos. Siendo tan femenina como es, tampoco llama la atención que sea coqueta. Quizá por la misma razón sea algo quejica.


A lo ya mencionado podría añadir más características conjuntas como su amor por arrebatar a su jefe días libres o alguna semana de vacaciones, conseguir bonos extra, su disgusto por aceptar órdenes de alguien superior con aires de arrogancia o su poca vacilación al cometer alguna pequeña ilegalidad. Lástima que la serie no nos informe sobre su pasado ni tampoco se preocupe por darnos a ver facetas más humanas de ambas agentes. Por último, debo decir que a diferencia de lo que ocurre en el anime actual aquí los personajes no son carnada para la audiencia. Puede que estén en parte diseñadas para atraer al público masculino, pero se les trata diez veces mejor que cualquier personaje femenino de un ecchi. ¿Por qué? En primer lugar, la cámara no está enfocando a sus partes íntimas como el trasero o los pechos. En segundo lugar, no solo visten ropa ligera sino que se les ve con múltiples conjuntos de ropa y no solo con ropa intencionalmente sexy. En tercer lugar, son personajes con una personalidad definida y el posible fanservice no daña su caracterización. Por ejemplo, Rias Gremory es más un objeto sexual que un personaje,. En cambio, Kei no está ahí simplemente para que te mates a pajas.

Arte y Banda Sonora

Muchos piensan que Sunrise solo produce mechas y les daría la razón, pero también han creado bastantes obras de ciencia ficción como esta. A niveles generales, la calidad de animación de Dirty Pair está un poco por encima de sus producciones de mechas de la época como podrían ser Aura Battler Dunbine (1983) o Round Vernian Vifam (1983). Un síntoma positivo porque Sunrise nunca hizo nada mal sus trabajos, aunque tuvieran alrededor de cincuenta episodios de media. Puede que haga un uso habitual de líneas de velocidad y substitución de fondos durante varias escenas de acción, pero en verdad hay mucho movimiento. Más atractivo me resultan esos escenarios de ciencia ficción repletos de edificios altísimos y muchas naves. Pero lo mejor sin duda son los diseños de personaje para nuestras dos protagonistas. Tenemos a dos jóvenes muy atractivas en la flor de la vida: una pelirroja explosiva y una muchacha de cabello oscuro azul. Ambas visten un conjunto que deja entrever su anatomía femenina, tanto sus largas piernas como el ombligo. No obstante, a menudo cambian de vestuario, así que es divertido ver qué nuevo conjunto se sacarán en el siguiente capítulo.



El compositor de esta banda sonora es Kouhei Tanaka, un hombre que se ha ganado un puesto en la industria desde hace varias décadas por obras como Gunbuster (1988) u One Piece (1999). La música de Tanaka diría que se limita a ambientar la serie, aunque de vez en cuando escuchas algún buen tema. Lástima que no dure mucho. Estuve mucho más encantado al oír el marchoso opening “Ru-Ru-Ru-Russian Roulette” por Nakahara Meiko. A diferencia de otros más cursis que me gustan, este tiene unas voces femeninas que me transmiten el sentimiento propio del anime, es decir, una aventura cómica y de acción con la que te divertirás.

Calificación: 6

sábado, 9 de junio de 2018

Cómo valorar la acción en el anime

Buenas a todos, hoy pretendo meterme en un campo que aún no domino, así que espero que puedan perdonarme los que saben más que yo. No obstante, me encuentro en una situación en que necesito aprender más. Quiero apreciar mejor aquellas partes de la animación que aún no entiendo totalmente porque sino me quedaría estancado y eso no me gusta nada. Con más razón al tratarse de un aspecto que me fascina mucho y es una de las razones fundamentales de que me gusten tantísimo obras como Ninja Scroll (1993) o Redline (2009). En ambas películas, hay algo que sobresale y ese algo es, por supuesto, la acción.

Los filmes que he mencionado pertenecen al género de acción, aunque no voy a hablar del género en concreto sino de cómo valorar escenas y secuencias de acción. Para que nadie se pierda antes aclaro que una escena es un conjunto de planos que tienen lugar en un mismo lugar y tiempo, mientras que una secuencia es un conjunto de escenas que presentan un vínculo narrativo entre ellas. Por otro lado, con acción me refiero a más que solo la actividad o el movimiento de algo. En un momento de acción el movimiento se vuelve predominante, así que el ritmo narrativo es más rápido. El espectáculo gana importancia gracias a coreografías y efectos visuales. Por supuesto, existe algo en juego o una razón que motiva a los personajes a correr riesgos. En muchas ocasiones, los protagonistas luchan en contra de un villano, aunque la acción sea provocada por una fuerza superior.

Lo que busco es valorar aquellas situaciones donde están presentes persecuciones, carreras, tiroteos, peleas callejeras, peleas de artes marciales, robos, asaltos, enfrentamientos mágicos o sobrenaturales, batallas entre ejércitos, etc. Probablemente todos sepáis ya a qué me refiero, pero pongo un ejemplo: la batalla a muerte entre Lancer y Assassin de Fate/stay night Movie: Heaven's Feel (2017). En este encuentro ambos rivales combaten mientras se mueven por diversas localizaciones, así que se trata de una secuencia. Podéis comprobar lo que digo en este vídeo, así de paso os maravilláis un poco.


Muchos de estos momentos de acción, al igual que los de peso dramático, son secuencias sakuga. Es decir, fragmentos donde la calidad se eleva hasta ser sobresaliente. Desde hace muchos años existen, pero ahora se han vuelto mucho más habituales debido al desarrollo de la industria, la cual ha ganado experiencia con el paso del tiempo, así como también ha obtenido nuevas herramientas. Se localizan más fácilmente en películas y OVAs, pero en la década actual se han hecho muy comunes en series de televisión. Pero más allá de que el dibujo y la animación mejoren mucho, es interesante observarlas para evaluar el trabajo de un animador destacado.

Bien una vez definido el objeto de nuestro interés, es decir, qué valoramos, es necesario que veamos cómo lo valoramos. En una mirada superficial es fácil decirlo porque simplemente tenemos que valorar aquellas cualidades que le son propias. Qué sencillo, ¿no? No lo creo. Este proceso exige identificar elementos y establecer ciertos principios. Ojo, dichos principios no son universales y necesitan de flexibilidad para ser aplicados. Pretender utilizar la misma vara de medir para todos, sin considerar el contexto, es un grave error que debemos evitar. Sermones a un lado, creo que los puntos que tocaré a continuación son los más importantes a la hora de valorar una secuencia de acción y en sí todos se relacionan de alguna manera con los otros. En primer lugar, está el espectáculo. Igual que en un show de magia, una escena de acción debería ser algo maravilloso que fascine al público. Que haga que el espectador se quede patidifuso y exprese su admiración por lo que ha visto. Para conseguir tal resultado se pueden utilizar recursos distintos tanto en variedad como en número. Véase impresionantes efectos especiales o complejas coreografías.

En cuanto a los primeros, en el campo cinematográfico, son un conjunto de técnicas y elementos para crear ambientes, personajes o realidades que no son factibles en la vida real o bien serían demasiado complicados de ejecutar. En contraposición, la animación no posee tales restricciones porque casi todo puede ser representado, sin emplear cuantiosos recursos económicos: explosiones, rayos de energía, hechizos mágicos, etc. Y se incluyen no solo los efectos visuales sino también los sonoros y otros que no voy a describir. Sobre las coreografías, hay que decir que son un conjunto de movimientos y pasos que siguen unas pautas concretas. Hay que tener en cuenta el cuerpo, el espacio y el tiempo. En el anime con tantas obras de acción es imposible no encontrar buenas coreografías de batalla donde los peleadores llevan a cabo todo tipo de movimientos como saltos de decenas de metros desde el suelo, esquives imposibles, sprints a velocidad de la luz y mucho más. Ya se sabe que en el anime todo se multiplica, aunque es posible ver otro tipo de coreografías más realistas donde el personaje parezca más humano, aportando impresión de otra manera.


Sin embargo, hay más elementos que pueden dar espectáculo a una secuencia de acción: el cambio de planos, el juego de perspectivas, el uso de la música y también los giros argumentales que aparecen en pantalla para mantenernos hipnotizados hasta que concluya el encuentro. Se puede incluso prescindir de algunos y enfocarse en otros, caben numerosas posibilidades. En esta ocasión, os dejo como ejemplo la pelea entre Saitama y Boros de One Punch Man (2015). Esta pelea es un despliegue audiovisual muy potente, con todas las transformaciones de Boros y la destrucción causada por sus ataques. Narrativamente el enfrentamiento no tiene mucha importancia, pero es un buen ejemplo de espectáculo. En una serie de acción debería haber cantidad y variedad de ellas, siempre y cuando sea necesario.

Ahora bien de nada sirve utilizar todos estos recursos sin orden y moderación. Si se ignoran ambos principios, de poco servirá a la obra en cuestión tener un amplia gama de posibilidades a su alcance. Pero... ¿cuándo nos damos cuenta de este tipo de desastre? Bien, podemos hablar de desastre cuando la acción no se entiende correctamente, es decir, no podemos apreciarla y captarla de forma adecuada. Entre las razones estarían la sobreutilización de efectos especiales, el cambio tempestuoso de planos, la excesiva velocidad del movimiento o el inadecuado uso de los planos desde el punto de vista del encuadre y el ángulo. Por ejemplo, el primer combate entre Siegfried y Karna de Fate Apocrypha (2017). En varias ocasiones, comprender todo lo que ocurre es complicado por culpa de tantas explosiones y destrucción, por no hablar de que la agilidad que manejan ambos rivales resulta un tanto desmesurada para apreciar los choques de armas. Sin duda, aquí la dirección visual no es buena.


Tampoco se debe olvidar la anticipación, es decir, eso que nos prepara para lo que está a punto de suceder. La anticipación facilita una señal o un indicio que nos permite comprender qué va a ocurrir a continuación. De esta manera el espectador no se perderá nada, especialmente los instantes cruciales. Sin anticipación, el espectador puede estar muy perdido cuando está delante de mucha agitación. El hecho de observar, en primer lugar, cómo alguien mueve el brazo hacia detrás para obtener fuerza en el puñetazo que va a impactar más tarde es una muestra de anticipación. Esta vez no pondré un vídeo como ejemplo. En vez de eso os remito al vídeo de Pilinguino donde él os explicará mucho mejor que yo este asunto. Solo colocaos en el minuto 9:00 y echad un vistazo a ese fragmento de Bakemonogatari (2009).

A continuación, la tensión sería otro factor importante. Hay tensión cuando el protagonista u otros personajes se encuentran en una situación que amenaza sus vidas, pero también cuando ellos quieren algo o persiguen un objetivo importante. Por ejemplo, salvar la vida de alguien querido u obtener un tesoro. Al meterse en esa guerra, combate o tiroteo están poniéndose en peligro y eso le da interés a una pelea. Y si el personaje implicado es uno de tus favoritos, es probable que el efecto sea mucho mayor en ti. Sin embargo, también se puede reforzar esta tensión por medio de diversos recursos. Un ejemplo revelador puede ser el combate entre Beatrix y Elle de Kill Bill (2003). No es anime, pero cumple a la perfección a la hora de otorgar más tensión al encuentro gracias a la puesta en escena. Ese enfoque en una y otra, contraponiéndolas; el uso de la música, que cada vez se hace más intensa e inquietante a medida que toman postura para atacar; y muchos más detalles de los que podría hablar.


A veces, no obstante, ese sentimiento de tensión, se esfuma o se reduce considerablemente debido a factores que podrían obstaculizar el flujo de la acción, aunque depende de su uso. Uno de ellos sería la exposición mediante diálogos o monólogos demasiado largos o mal ubicados. No hay nada de malo en que dos rivales intercambien palabras en algún momento. Lo mejor es al principio o al final del combate o aprovechando una pausa forzosa, pero si hacen turnos para hablar y pelear el asunto pierde importancia y la acción pierde su ritmo rápido. Lo mismo va para aquellos casos donde hay alguien soltando obviedades muy a menudo. Por ejemplo, decir "eres fuerte" no tiene nada de malo, aunque sea evidente si el tipo que tienes delante es poderoso. Se puede expresar alguna admiración, pero lo que no se puede es hacerlo cada 2x3. Se supone que es algo serio, no una charla amistosa.

Otro factor sería la deliberada lentitud insertada en los momentos de acción. Hoy en día ocurre más en los shônen de peleas, que intentan estirarse todo lo que pueden para que el estudio gane más plata. Esto es un craso error, aunque entiendo la necesidad económica. La acción es ágil por definición y no debe durar mucho. Pero ahí los verás abusar de paneos, movimientos más lentos, interrupciones, etc. Un ejemplo muy conocido sería la pelea entre Naruto Uzumaki y Neji Hyuga en Naruto (2002). En esta pelea ambos están constantemente hablando y hasta hay una pausa donde Neji expone su pasado y tiene lugar un largo flashback. Entiendo la importancia del odio de Neji hacia el clan Hyuga, pero podrían haberlo revelado antes de entrar al área de combate. No hay excusa.


Otro componente a tener en cuenta sería la verosimilitud. Ojo, no confundir con realismo porque en la animación es altamente improbable que los momentos de acción sean muy realistas debido a que casi todos poseen habilidades sobrehumanas. En vez de eso la acción debe ser creíble en el contexto de la obra. Si estamos hablando de un mundo mágico, es normal que alguien pueda utilizar hechizos para atacar a su adversario. No obstante, debería considerarse que si un enemigo lanza un objeto muy pesado, por ejemplo, este debe expresar el peso y el esfuerzo de moverlo y lanzarlo con fuerza. Esos detalles son importantes porque el espectador notará las diferencias y se creerá con más intensidad lo que está viendo.

Esto también dependerá mucho del movimiento, quien es el responsable de transmitir muchas ideas, sensaciones y sentimientos. En él también suele quedar imprimida la huella del animador, por lo que dota a la acción de mayor variedad. Un caso ilustrativo sería el animador Hiyoruki Imaishi, conocido por su estilo frenético y endiablado. Para mayor verosimilitud, también creo que debería quedar bien reflejada la repercusión de la acción, es decir, los efectos y consecuencias que resultan de los golpes, los choques, los impactos, etc. ¿Cuál es la gracia de ver dos tipos golpeándose si al final ninguno es capaz de causar alguna herida, dolor o siquiera marca en el otro? El encuentro pierde credibilidad. En este sentido, una buena batalla sería Jubei vs Genma de Ninja Scroll (1993). Los golpes recibidos por Genma hieren gravemente a Jubei, quien vomita sangre y tiene un brazo medio dislocado.


Finalmente, no deberíamos olvidar la importancia narrativa de la acción. Una batalla relevante debería ocurrir en el momento culmen de un arco, en el clímax de la narración. La acción debería ser el último paso para alcanzar aquello que queremos, una vez superada la lucha obtenemos el premio. Todo esto que digo no aplica a todos los casos por igual, ya que otra vez depende del contexto de la obra y, por lo tanto, habrá que fijarse de forma casi individual. Lo que he dicho se acomoda mejor a aquellas obras que aspiran a ser más que puro entretenimiento en su concepción. Animes como Hellsing Ultimate (2006), que son más estilo que sustancia, son prueba viviente de que hay gente que entiende la acción de forma diferente. A pesar de todo, la acción debería ser más importante que solo ser un terreno idóneo para diversión, conseguir más poder o configurarse como un mero obstáculo. Si ayuda a que los personajes obtengan algún cambio o si sirve para que la historia avance varios pasos creo que entonces cumplirá bien con su objetivo. En fin, hasta aquí todo. Nos vemos la próxima vez.

Fuentes

martes, 5 de junio de 2018

Reseña Manga: Dragon Ball - Saga Red Ribbon (Parte 2)

Una vez derrotada la Red Ribbon, Goku intenta buscar la última bola de dragón que le falta. Sin embargo, esta no aparece en el radar por alguna extraña razón. Ante este inconveniente, Mutenroshi le recomienda visitar a Baba la Adivina porque ella es capaz de encontrar cualquier objeto perdido. Pero no será tan fácil como pensaban porque sus servicios son extraordinariamente caros, así que deciden optar por la vía del combate. Si vencen a sus cinco guerreros ella les dirá gratis donde está la última bola de dragón.

No me voy a demorar mucho con esta parte porque no hay mucho que contar. Para empezar, uno tiene la sensación de que estamos ante un arco distinto del anterior a pesar de que la búsqueda no ha terminado. ¿Por qué? Fácil. Los hechos narrados dan la impresión de ser más un paso intermedio en la misión de Goku, ya que simplemente lucha con otro grupo de peleadores extraños, excepto el último del cual hablaré más tarde. En cambio, el haber derrotado al ejército con ese asalto tan asombroso a la base donde acaba finalmente con todos los enemigos sí sentía el clímax del arco y con su victoria sobre ellos su conclusión. Por este motivo, el título del arco incomoda respecto del contenido que tenemos ahora.


Siendo sinceros, este arco se parece mucho a un torneo. Evidentemente aquí la idea es que peleen equipos de cinco luchadores contra otro grupo de igual número. Pero las reglas son similares, así que tampoco hay mucha tensión en juego si hablamos de peligro de muerte o incapacitación. Sí hay alguna porque hay algo en juego: Goku necesita resucitar al padre de Upa y sin la información de Baba no podrá cumplir su objetivo. Hablando de los oponentes, nos topamos con un grupo variopinto formado por luchadores sobrenaturales: un vampiro, un hombre invisible, una momia, un demonio y un anciano procedente del más allá. Fue un buen punto tratar de establecer una relación entre ellos en base a su carácter mágico. Por supuesto, todos ellos usan habilidades extrañas que obligaron a los personajes a buscar métodos creativos para derrotarlos. No obstante, esto solo aplica a los primeros dos porque el resto son derrotados por el protagonista. Pero es de agradecer que se siga haciendo bastante comedia divertida en base al aspecto y capacidades de los rivales y que tampoco nos olvidemos del resto de personajes y darles algún uso.

Desde el punto de vista del crecimiento de Goku, este arco sirve para consolidar la idea de que se ha convertido en alguien que ha superado a su maestro y ahora puede vencer fácilmente a enemigos que hasta hace poco tiempo sería incapaz de vencer. A pesar de todo, su abuelo logra darle un buen combate e incluso meterlo en serios apuros, aprovechando su mayor debilidad. Pero lo mejor de este arco, que podría haber servido incluso para darle un final a la serie, es el reencuentro de Goku con su abuelo. En ningún momento habíamos visto a Goku llorar y emocionarse tanto por una persona, lo cual demuestra lo mucho que le quería. Una escena verdaderamente conmovedora, que no llegaría a repetirse con nuestro protagonista otra vez. Pero sigue siendo una verdadera pena que no se revele mucho más sobre el personaje cuando este era tan importante para él. Algún flashback sobre su vida anterior con su nieto por ejemplo. No negaré que sirve de punto final para su crecimiento en esta saga, así como para recompensar en cierta manera sus esfuerzos, pero se siente algo desaprovechado.

Lo que sí fue innecesario fue la inclusión de Pilaf y sus secuaces justo al final. La broma podía ser divertida, pero el momento era inadecuado y ya sabíamos cómo iban a acabar. ¿Por qué no encontrárselos al comienzo? Ahí habría sido mucho más acertado. Una vez eliminado ese problema solo quedaría resucitar al padre de Upa y mostrar como Goku seguirá entrenando y haciéndose más fuerte. En resumidas cuentas esta parte de la saga es buena, aunque varias de las decisiones de Toriyama resultan cuestionables.

Calificación: 7

sábado, 19 de mayo de 2018

Mis 50 Películas Anime Favoritas (1960-1999)

Buenas tardes, seguro que me habéis echado de menos, ¿verdad? Algunos se preguntarán porque publico esta entrada ahora, teniendo aún pendiente el largo proyecto de Dragon Ball por arcos. Sobre esas reseñas no os preocupéis porque las iré publicando más tarde o más temprano. Ya están todas escritas, así que no es por mi falta de ganas eh. 

Lo que sí me falta es tiempo, pero más aún relajarme un poco para desestresarme de los exámenes de mayo. Con ese objetivo en mente he hecho esta lista de películas de animación japonesa que más me han gustado. Pero hacer una lista desde los inicios hasta hoy me parecía un poco rollo, así que he decidido acotar, aprovechando que me he terminado todos los títulos que me interesaban entre 1960 y 1999. De esta manera no solo conocéis mis gustos sino también algunos filmes que os dejarán muy sorprendidos por su calidad. Algunos de ellos ya tienen su propia reseña en este blog, así que no voy a hacer comentarios sobre todas ellas. Es un trabajo muy pesado y en las circunstancias actuales no tengo tiempo material para hacerlo. Pero no me extiendo más y comienzo con esta fabulosa lista.


Años 60

1. Historias de una Calle (1962). Osamu Tezuka. Reseña
2. Recuerdos (1964). Osamu Tezuka. Reseña
3. Sirena (1964). Osamu Tezuka. Reseña
4. Cuadros de una Exposición (1966). Osamu Tezuka. Reseña



Años 70

5. Ringing Bell (1978). Masami Hata.
6. Lupin III: El Misterio de Mamo (1978). Soji Yoshikawa.
7. Lupin III: El Castillo de Cagliostro (1979). Hayao Miyazaki. Reseña



Años 80

8. The Door Into Summer (1981). Mori Masaki. Reseña
9. Goshu el violoncelista (1982). Isao Takahata.
10. Arcadia de mi Juventud (1982). Leiji Matsumoto.
11. Golgo 13: El Profesional (1983). Osamu Dezaki. Reseña
12. Macross: Do yo remember love? (1984). Noboru Ishiguro.
13. Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer (1984). Mamoru Oshii.
14. Nausicaä del Valle del Viento (1984). Hayao Miyazaki.
15. Saltando (1984). Osamu Tezuka.
16. Urusei Yatsura 3: Recuerda Mi Amor (1985). Kazuo Yamazaki.
17. Una Película Estropeada (1985). Osamu Tezuka.
18. Project A-Ko (1986). Katsuhiko Nishijima.
19. El Castillo en el Cielo (1986). Hayao Miyazaki.
20. ¿Quién es el 11º pasajero? (1986). Tsuneo Tominaga. Reseña
21. Dirty Pair Movie (1987). Kouichi Mashimo
22. Royal Space Force: Wing of Honneamise (1987). Hiroyuki Yamaga
23. Push (1987). Osamu Tezuka.
24. Neo Tokyo (1987). Rintaro, Yoshiaki Kawajiri y Katsuhiro Otomo.
25. Legend of Galatic Heroes: My Conquest is the Sea of Stars (1988). Noboru Ishiguro.
26. La Tumba de las Luciérnagas (1988). Isao Takahata.
27. Mi Vecino Totoro (1988). Hayao Miyazaki. Reseña
28. Akira (1988). Katsuhiro Otomo.
29. Mobile Police Patlabor 1 (1989). Mamoru Oshii.
30. Nicky, la aprendiz de bruja (1989). Hayao Miyazaki.



Años 90

31. Dragon Ball Z Especial 1 (1990). Daisuke Nishio.
32. A Well-Ordered Restaurant (1991). Tadanari Okamoto.
33. Recuerdos del Ayer (1991). Isao Takahata.
34. Porco Rosso (1992). Hayao Miyazaki.
35. Ninja Scroll (1993). Yoshiaki Kawajiri.
36. Mobile Police Patlabor 2 (1993). Mamoru Oshii.
37.  Legend of the Galactic Heroes: Overture to a New War (1993). Noboru Ishiguro. Reseña
38. Pompoko (1994). Isao Takahata
39. Street Fighter II Movie (1994). Gisaburou Sugii
40. Ghost in the Shell (1995). Mamoru Oshii.
41. Memories (1995). Koji Morimoto, Tensai Okamura y Katsuhiro Otomo.
42. Susurros del Corazón (1995). Yoshifumi Kondou.
43. Black Jack The Movie (1996). Osamu Dezaki.
44. El perro de Flandes (1997). Yoshio Kuroda.
45. La Princesa Mononoke (1997). Hayao Miyazaki.
46. Jungle Emperor Leo (1997). Yoshio Takeuchi.
47. Perfect Blue (1998). Satoshi Kon.
48. Lupin III: Tokyo Crisis (1998). Toshiya Shinohara.
49. Pokémon II: El Poder de Uno (1999). Kunihiko Yuyama
50. Jin-roh (1999). Mamoru Oshii


Creo que es evidente que las recomiendo prácticamente todas porque no solo es que me gusten sino que muchas de ellas son de las mejores de su tiempo. No por nada han sido dirigidas por genios como Osamu Tezuka, Osamu Dezaki, Isao Takahata, Hayao Miyazaki o Mamoru Oshii. Eso es todo, que disfruten el fin de semana.